Emerge Studio

25/02/2026

Albert Henry Munsell (1858–1918) imaginó su sistema de clasificación del color como una especie de notación musical: un lenguaje preciso que buscaba liberar la descripción cromática de los nombres comerciales impuestos por la industria.

Albert Henry Munsell (1858–1918) envisioned his colour categorisation system as akin to musical notation, bearing a specificity that aimed to liberate chromatic description from commercially-driven colour names: https://publicdomainreview.org/collection/munsell-atlas

25/02/2026

Fotogramas de la película "El sabor de las cerezas", del director iraní Abbas Kiarostami (1997).

Un automóvil avanza lentamente por colinas áridas en las afueras de Teherán. La tierra es ocre, seca, silenciosa. El paisaje parece repetirse, pero nunca es exactamente el mismo. En cada curva cambian ligeramente la luz, la distancia, el aire.

La fotografía de Homayoun Payvar trabaja con esa repetición. El parabrisas del auto en el que viaja el señor Badii enmarca el mundo y lo divide: dentro, el conductor; afuera, el paisaje extendido.

Los tonos son polvosos y contenidos; todo respira en el mismo registro. Las conversaciones ocurren mientras la tierra se muestra detrás del vidrio. En esta película, el paisaje sostiene la historia.

18/02/2026

Still de la película Cumbres Borrascosas (2011), dirigida por Andrea Arnold.

La cinematografía de Robbie Ryan y el diseño de producción de Helen Scott dan forma a un paisaje que respira junto a los personajes.

La figura de Kathy se posa en el centro, como si estuviera a punto de fundirse con la niebla.

La composición es serena y contemplativa: el horizonte bajo, la figura femenina centrada y una paleta terrosa donde el rojo sostiene el equilibrio visual de la escena.

06/02/2026

"La belleza es algo que te quema la mano cuando lo tocas". Yukio Mishima

(Imagen: "El fuego de Dattan", pintura de Kazuo Shiraga, c. 1960s)

11/01/2026

En los pósters de Bugonia, la nueva película de Yorgos Lanthimos, el diseñador gráfico griego Vasilis Marmatakis construye un universo visual que dialoga con la película.

Los rostros intervenidos, las superficies densas y las referencias al mundo natural generan una atmósfera que simboliza los temas fundamentales de la película, sin recurrir a la ilustración literal ni a la explicación directa.

El propio título de la película refuerza esta lógica visual. Bugonia alude a una antigua creencia según la cual los insectos podían surgir de materia orgánica en descomposición. El término proviene del griego bous (buey) y gone (generación), y fue descrito por autores antiguos como Aristóteles y Virgilio como un intento temprano de explicar el origen de la vida a partir de la descomposición.

La tipografía ocupa un lugar central en este lenguaje visual. Marmatakis utiliza Churchward Roundsquare, una tipografía de raíz brutalista que aparece tanto en los pósters como en los títulos de la película. Intervenida mediante procesos analógicos —impresión, manipulación física y escaneo—, la tipografía adquiere una presencia material y un carácter propio, alejándose deliberadamente del acabado pulido del diseño digital contemporáneo.

Como es habitual en la obra de Marmatakis, el diseño gráfico se convierte en una capa importante del lenguaje cinematográfico de Lanthimos.

10/10/2025

El proceso de Guillermo Del Toro creando Frankenstein

Estos bocetos de los cuadernos personales de Guillermo del Toro pertenecen a un archivo que el cineasta ha ido tejiendo a lo largo de su vida. Entre notas, estudios anatómicos y figuras que parecen surgir de un sueño, se revela una conversación constante entre lo humano y lo monstruoso.

Del Toro ha dicho que ha vivido con la creación de Mary Shelley desde siempre. Para él, Frankenstein no es solo una historia de terror, sino un espejo donde se reflejan preguntas esenciales sobre la soledad, la conciencia y el acto de crear y ser creado.

Su versión nace de esa relación íntima con el mito, de una búsqueda que ha crecido durante décadas en páginas llenas de dibujos, frases y visiones.

En sus cuadernos, las criaturas todavía no tienen nombre ni destino; son intuiciones, fragmentos en espera. Ahí, los apuntes dialogan con el universo de Frankenstein: un ser en gestación que espera tomar forma.

31/08/2025

"A cada época su arte, al arte su libertad".

Con esta consigna, grabada en el edificio de la Secesión de Viena en 1898, un grupo de artistas liderados por Gustav Klimt se apartó de la Academia para fundar un movimiento artístico radical.

La Secesión no estaba basada solo en un estilo ornamental, sino en una búsqueda espiritual para unir la pintura, la arquitectura, el diseño y la tipografía en un "Gesamtkunstwerk", una obra de arte total. Fue una rebelión silenciosa contra lo establecido, una afirmación de que el arte debía ser libre, enigmático y profundamente conectado con su tiempo.

La revista de este movimiento, "Ver Sacrum", fue la obra clave de esta visión. Cada número estuvo concebido como una obra de arte en sí mismo, con tipografías experimentales, ilustraciones cargadas de símbolos y páginas que mostraban que el diseño podía ser tanto invocación como memoria. Esta revista nunca buscó la distribución masiva; fue publicada en tirajes limitados y en papeles cuidadosamente elegidos, hecha para ser leída por un pequeño grupo de lectores afines.

Entre los nombres que le dieron forma a este movimiento estuvieron Gustav Klimt, Koloman Moser y Josef Hoffmann, figuras centrales de la Secesión. Más tarde, la intensidad de Egon Schiele y Oskar Kokoschka llevó el espíritu de este movimiento hacia fronteras aún más radicales.

17/08/2025

El sketch de Antoni Gaudí para un hotel en Nueva York

En 1908, un grupo de empresarios neoyorquinos le pidió al arquitecto y artista visual catalán Antoni Gaudí diseñar un rascacielos en Manhattan. El proyecto, llamado Hotel Attraction, habría alcanzado los 360 metros de altura, convirtiéndose en el edificio más alto del mundo.

Siguiendo su fascinación por las formas inspiradas en la geometría de la naturaleza, Gaudí imaginó cúpulas paraboloides y estructuras orgánicas que parecían salidas de un sueño modernista. No solo diseñó un hotel, sino una ciudad vertical con museos, auditorios, teatros y jardines interiores. Una obra tan visionaria que la ingeniería de su tiempo quizá no pudo sostener.

El proyecto nunca se materializó y solo quedaron algunos bocetos y descripciones, recuperados décadas más tarde por sus colaboradores. Hoy, el Hotel Attraction se mantiene en la memoria como una utopía modernista que nunca se llegó a concretar.

31/07/2025

En los años 50, mucho antes de que Neil Armstrong pusiera un pie en la Luna, el ingeniero Allyn B. Hazard del Jet Propulsion Laboratory (Laboratorio de propulsión a chorro) de la NASA ya estaba imaginando cómo vestir a los futuros exploradores lunares. Su propuesta: un traje cilíndrico de alrededor de 100 kilos con soporte vital integrado—incluyendo comida, agua, radio e incluso una pequeña estufa—pensado para una misión de doce personas en la Luna.

Hazard llevó su diseño a la empresa Aerojet, donde construyó este prototipo y lo modeló él mismo en las calles de California. La imagen dio la vuelta al mundo; apareció en la portada de la revista Life en 1962 y sirvió de inspiración para la figura de acción "Capitán Meteoro" de Mattel.

Aunque nunca fue usado por la NASA porque su movilidad limitada y su peso lo hacían poco práctico, el traje es un ejemplo fascinante de diseño de la era espacial, cuando la imaginación aún no conocía límites claros entre la ciencia y la ciencia ficción.

La silueta cilíndrica del traje y su estética retrofuturista anticipan el lenguaje visual que después se vería en juguetes, cómics y películas de la época.

25/07/2025

"El artista es, ante todo, un artesano elevado. En raros momentos de inspiración—momentos que escapan al control de su voluntad—la gracia del cielo puede hacer que su obra florezca y se convierta en arte. Pero el dominio del oficio es esencial para todo artista: ahí reside una de las fuentes de la imaginación creativa.

Creemos un nuevo gremio de artesanos, sin las distinciones de clase que levantan una barrera arrogante entre el artesano y el artista. Concibamos y construyamos juntos el edificio del futuro, que reúna arquitectura, escultura y pintura en una sola unidad, y que algún día se eleve hacia el cielo desde las manos de un millón de trabajadores como símbolo cristalino de una nueva fe".

Walter Gropius, Manifiesto de la Bauhaus, 1919

(Foto: Lucia Moholy)

24/07/2025

El otro rostro de Barilla: pasta, arte y modernismo

En 1968, el Grupo Barilla inauguró en Parma, Italia, la que pronto se convertiría en la fábrica de pasta más grande del mundo. Concebida para modernizar la producción y responder a la creciente demanda internacional, la planta no solo fue un avance industrial, también se transformó en un inesperado escenario para el arte.

Todo comenzó con Pietro Barilla, heredero de la compañía, que creía que la belleza debía estar al alcance de quienes pasaban sus días trabajando entre silos industriales y cintas transportadoras. Bajo esa convicción reunió una colección de arte moderno que incluía obras de Boccioni, De Chirico, Magritte, Guttuso, Morandi, Chagall, Picasso e incluso esculturas de Rodin, Moore y Manzù.

Estas piezas no se guardaron en un museo: se integraron en el propio espacio industrial. Pasillos, oficinas y salas de reunión se convirtieron en una galería viva. En los corredores donde se hacía pasta, también se miraba a Picasso. Pietro Barilla lo explicaba así en una entrevista:

“Me gusta que las personas que trabajan para la empresa estén rodeadas de pinturas y esculturas. Que haya una obra más o menos importante en cada oficina. Aunque su importancia la definan los críticos de arte, para mí todas son importantes: las elegí una por una en un arrebato de entusiasmo.”

Durante las décadas de 1970 y 1980, esta mezcla entre producción y arte se convirtió en parte de la identidad de la empresa. Mientras exportaban millones de toneladas de pasta, los trabajadores convivían diariamente con escenas surrealistas, naturalezas muertas y formas abstractas que colgaban en las paredes del lugar.

Con el tiempo, esta visión derivó en la creación del Archivo Storico Barilla, un fondo histórico reconocido oficialmente en Italia por su valor cultural, que resguarda desde los carteles publicitarios diseñados por Erberto Carboni hasta fotografías, empaques y las propias obras de arte de la colección.

Parte de este legado se trasladó luego al Barilla Center, un complejo inaugurado en 2003 que combina espacio cultural, academia culinaria y comercio en el mismo sitio donde alguna vez operó la fábrica.

(Foto: Pietro Barilla con su esposa Marilena y los cuadros de Pablo Picasso y Fernand Léger de su colección, alrededor de 1963. Foto de Bruno Vaghi)

24/07/2025

"Nada de lo que has creado te pertenece por completo y, sin embargo, todo es parte de ti. Tu imaginación, me parece, es en gran medida un baile accidental entre la memoria acumulada y tus influencias; no es algo intrínseco a ti, sino una construcción que espera una chispa que la encienda". Nick Cave

(Foto: Bleddyn Butcher)