29/09/2026
Quand je vais voir des expositions, j’adore regarder les palettes de peinture, tout le matériel de l’artiste, son espace de travail, les essais de couleurs, les croquis préparatoires… Ce qui suscite le plus ma curiosité, c’est vraiment le chemin pour arriver à l’œuvre finale.
J’imagine la pièce, la scène, le moment.
Je devine la première couleur posée sur le fond, celle qui donne le ton…
Le processus, en fait.
Tout ce qui raconte comment l’image est née.
Et je me rends compte que dans ma propre pratique, le médium change aussi profondément ma façon de créer.
Quand je travaille en illustration numérique, c’est plus souvent pour une commande que par pur plaisir. Je remplis une mission. Le numérique facilite le processus : on propose un crayonné que l’on peut modifier facilement, on revient en arrière, on corrige, on envoie un fichier.
Mais quand je crée de mes mains, que je sors mes peintures, mes pinceaux, mes coquillages qui me servent de palettes, quelque chose change.
Je ne suis plus tout à fait dans la même posture.
Je m’installe davantage dans la création.
Le rapport à la rentabilité, à la productivité et à la réussite s’efface un peu. Je ne cherche plus nécessairement à produire quelque chose de réussi.
Je peux me tromper. J’attends même l’erreur. Composer avec ce qui a été fait, sans effacer. Garder un trait imparfait. Faire avec. Tout simplement.
Et parfois, c’est justement là que le charme du résultat se trouve. Dans un geste maladroit, une couleur un peu trop vive, un peu trop foncée… Celle qu’on voulait pas trop mais bon, trop t**d.
Je crois que c’est cette relation-là à la création qui me nourrit le plus.
Celle où je ne cherche pas seulement à bien faire, mais à vivre un moment créatif, à tester des trucs.
Et peut-être que c’est aussi là que je me sens le plus artiste. Quand ce que je fais prend vraiment plus de sens.